Jammin’ Juan 2017 – Les Jeunes Talents du Jazz 2017

Le 1er Marché des Professionnels du Jazz en France JAMMIN’Juan s’ouvrira pour la première fois à Juan-Les-Pins du 20 au 22 octobre 2017. Un événement organisé par l’Office de Tourisme et des Congrès d’Antibes Juan-les-Pins, organisateur de « Jazz à Juan », en étroite collaboration avec L’International Jazz Festival Organization (IJFO), de la SACEM, de l’ADAMI et du Conseil Départemental des Alpes-Maritimes, auquel Le Jazzophone est fier de s’associer. Suite →

Ecrit par Gilbert D'Alto

La Boîte à Musique #4

 

Nina Papa « Evidencia »par Gilbert D’Alto

Ce nouvel album de celle qui est  sans doute la meilleure chanteuse brésilienne de la Côte D’Azur  est le fruit de deux longues années de travail de Nina avec ses musiciens : Béatrice Aluni , piano, Marc Peillon, contrebasse, Cédric Ledonne ou Alain Ruart , batterie  ,  Frank Ledonne , percussions, sur des compositions originales écrites par Nina pour les paroles , en portugais ou en  français ( le très beau «  Cinq Terres », hommage à l’Italie ) et par Béatrice Aluni ou Marc Peillon, pour les musiques.  Album aux couleurs d’ailleurs plus jazzy que bossa nova, même si le Brésil est présent tout au long du disque, et dans lequel sont aussi  présents deux musiciens prestigieux, le jeune saxophoniste Baptiste Herbin, fabuleux, et le vétéran André Ceccarelli à la batterie. Un très beau disque qui va nous permettre de rentrer dans l’automne en gardant un goût d’été.

 

M&T@L : Hurlant (Alter-Nativ )

Par Jacques Lerognon

Après avoir rendu hommage au groupe Metallica en trio jazz, les trois membres de M&t@l, s’attaquent à un autre bastion, le mythique magazine de bandes dessinées Metal Hurlant. Le challenge était de composer et d’improviser à partir de six planches d’une expo à la Maison des Artistes de Chamonix. Peut-on imaginer du jazz S.F. ? Ils l’ont fait en 18 titres, 3 par planches de « Arzach et son Ptéroïde » ou « Un léopard ne peut pas changer ses taches » à « Univers parallèle » dont le troisième mouvement clos de façon magistrale et virulente l’album. Le saxophone de Thomas Puybasset mène la danse, instille la mélodie appuyée par le bassiste Laurent David, tous deux filtrés par de copieux pedalboards. Le batteur Maxime Zampieri propulse le vaisseau M&t@l vers un jazz progressif de la plus belle eau.

 

Ahmad Jamal, Marseille, 2017, Jazz Village par Benjamin Grinda

Dernier opus d’Ahmad Jamal, « Marseille » offre à la cité phocéenne un peu de lumière, celle-là même qui semble avoir éclairé certains moments de vie du grand pianiste de Pittsburgh. Accompagné de sa section rythmique désormais fidèle, le batteur Herlin Riley, le percussionniste Manolo Badrena et le contrebassiste James Cammack, le maître délivre ses dernières compositions avec la force tranquille qu’on lui connaît. N’en déplaise aux « ultras », Marseille n’est pas la première ville à laquelle rend hommage Ahmad Jamal. Fervent admirateur de la France, il s’était déjà énamouré de Paris. Cet album est ainsi, par-delà Marseille, un « cadeau à la France ». Malgré  l’intérêt bien mesuré de l’interprétation d’Abd-El-Malik sur le morceau éponyme, Marseille est un cadeau, tant il sonne juste, et tant il émane l’élégance et le rayonnement du pianiste prodige.

 

Joseph Leimberg – Astral Progressions – World Galaxy / Alpha Pup Records 2016 par David Rompteau

Mesdames et Messieurs, le commandant de bord Joseph Leimberg vous souhaite la bienvenue à bord d’Astral Progressions. Tout au long du trajet vous voyagerez en territoire jazz, balades, hip hop, funk et, la méditation totale sera au rendez-vous. Musique stellaire s’il en est je ne peux que recommander l’écoute totale de l’album pour vous imprégner du message humaniste et positif de Joseph. Ici tout est réverbération, écho, spontanéité et chorus virtuoses. La production léchée apporte à Astral Progression un petit je ne sais quoi de Jazz funk très « Old School », en tout cas il s’agit bien de  West Coast actuelle c’est certain. Le commandant de bord espère que vous ferez un bon voyage sur vos platines, car décidément, c’est une musique des étoiles qui a vu le jour.

 

French Monk

Thelonious Monk : Les Liaisons dangereuses (Sam Records/Saga Dist.)

Laurent De Wilde : New Monk Trio (Gazebo Records/L’Autre Dist.)

Le 10 octobre prochain, nous fêterons  le centenaire de la naissance de Monk. La planète jazz tout entière est en effervescence  pour contribuer à cet évènement.

Je suis  ravi d’avouer que la France relève largement le défi  grâce à deux albums.

Thelonious Sphere Monk, pianiste et compositeur le plus énigmatique du jazz reste  une source intarissable d’inspiration pour des musiciens téméraires à la recherche de leur propre « sphère » .

Laurent De Wilde spécialiste mondial de Monk, de par ses recherches,  articles, émissions , livres…partage son introspection,  avec un projet inédit, New Monk Trio  un disque entier, de musique de son idole pianistique.

Au programme  douze morceaux : dix compositions connues et moins visitées ; un  medley Monk Mix  issu d’autres airs de Monk aux saveurs des îles…du Monk tropical ! la trouvaille de Laurent, et un hommage Tune for T.

Le groove est le dénominateur commun de toute cette sélection. Laurent de Wilde, fait revivre  le côté fun et funky  de ce  maître du be-bop.

C’est bien là toute l’exemplarité  et l’originalité de  cette œuvre. Dès les premières notes du disque  sonne un Misterioso  relooké par un dérivé de soul, typique de notre époque…et le tout se conclut  sur le sifflement de Friday the 13th !!

Les Liaisons dangereuses cet ultime trésor caché du jazz sera enfin révélé dans sa totalité , a l’occasion de cet hommage. La B.O.F. du film de Roger Vadim, sorti en 1960 était un enregistrement studio et pas encore un live inédit de Monk. Édité dans la confidence à l’époque il n’avait  jamais été reédité, depuis. Cette oeuvre majeure, sort aujourd’hui, sous  forme d’un double CD, qui réunit  les morceaux utilisés dans le film,aussi de nombreux et vrais  bonus .dont  le making of de Light Blue   un challenge rythmique de 15 minutes …la démonstration  parfaite de la  richesse des compositions de Monk.

La cerise sur ce gâteau , la présence de Barney Wilen ! Mais oui, cette séance historique, où en plus de Monk et  de son quartet, est présent notre célèbre saxophoniste sudiste qui apportera sa French touch…comme il l’avait fait auparavant
avec Miles et la BOF d’ Ascenseur pour  l’Échafaud !

Sir Ali

Ecrit par David Benaroche

#JAZZ&WORLD Tony Allen retour à la source

 

L’Afrobeat drummer Tony Allen décidément sur le toit du monde à 77 ans après son EP « A Tribute to Art Blakey And The Jazz Messengers » sorti en Mai, histoire de rendre un émouvant hommage à son modèle Art Blakey , arrive avec un album dont on peut penser qu’il sera la pierre angulaire de sa majestueuse discographie. Avec « The Source », le natif de Lagos réalise en effet un rêve d’enfant, lui qui est un des pères fondateurs de l’Afrobeat, graver un album pour le mythique label « Blue Note ».

Comme son maître si attaché à l’Afrique dont il n’est pas nécessaire de rappeler les états de service au sein de la prestigieuse «  maison note bleue », il touche les étoiles, marche sur le ciel survolant la terre rouge du continent originel, surfe sur les vagues du golfe de Guinée de son Nigéria natal.

La consécration pour Tony Allen qui n’a jamais aussi bien joué de la batterie et surtout n’a jamais été aussi libre et puissant qu’aujourd’hui dixit son saxophoniste Yann Jankielewicz qui marche sur les sentiers de la planète avec lui depuis maintenant dix ans. Ici tout n’est qu’intégrité, esthétisme sonore.

L’album, est enregistré exclusivement en analogique, philosophie vertueuse dont se réclamaient les fondateurs de Blue Note, Alfred Lion et Marx Margulis. Les harmonies rejoignent par leur nature hybride l’humain tout entier, le jazz n’étant en réalité ici qu’un mode de navigation permettant de remonter à la source africaine, aux origines de toutes les sonorités, des vibrations sincères.

De ses années de compagnon de route de Fela Kuti, Tony Allen a conservé sa patte unique d’arrangeur et cette incroyable capacité d’offrir des images à nos oreilles vite captivées par les changements, les couleurs en évolutions permanentes qui forment un canevas harmonique indéfinissable, une musique philosophique, voire mystique. Les morceaux se suivent pour former un tout. Les griots offrant un message universel de paix, d’amour.

Ses musiciens de toujours sont de la fête, mais également le prodigieux saxophoniste Rémi Sciuto et le tromboniste Daniel Zimmermann sont au service d’une musique qui offre beaucoup de liberté aux solistes. En plus de ce casting de onze musiciens, s’ajoute l’ami de longue date du batteur, Damon Albarn qui doit être ravi de participer à ce qui est déjà un album majeur.

L’Afrique plus que jamais au service du jazz : quoi de plus de normal que de retourner à la source ?

www.tonyallenafrobeat.com

Ecrit par David Rompteau

JAZZ&WORLD Ce Jazz venu du froid

Intermittent de l’errance auditive, j’ai, sans doute à cause d’un été torride, été faire un tour du côté d’une musique venue de ces pays ou jamais il ne fait si chaud qu’un jour de printemps dans nos contrées.

Je veux parler des pays scandinaves. Le vrai nord quoi…

Jan Garbarek avec sa somptueuse ballade « Red Wind » nous avait donné envie de lacs gelés (Brrr..!) de cascades tombant dans les fjords, de cris de Goélands cendrés au bord des glaciers. Lisa Ekdahl à la voix acidulée nous avait (parfois) charmés ; et bien, bien des années avant, il y eut le grand pianiste Bengt Hallberg et son beau touché. Depuis, quelques autres sont arrivés sur nos platines au fil du temps, mais sans jamais encore fondre sur nous comme un iceberg devant le réchauffement climatique. Et pourtant.

Pourtant, le jazz scandinave existe bel et bien, enraciné dans la culture et l’art de vivre de ces lieux .Oui par Odin ! Il existe, vit et se renouvelle sans cesse. Il y a des raisons objectives : il semble que l’éducation de ces pays offre un enseignement musical très développé, avec de nombreux conservatoires à forte réputation, nationale, voire internationale, et dont les cours intègrent le folk, le classique… et le jazz. Ces études-là, libérées des influences américaines et même européennes, créent des musiciens qui par leur tempérament boréal et paradoxalement chaud, dépassent les contraintes du classicisme ; créant un genre qui leur est propre. Cela,ajouté à une ouverture d’esprit toute nordique, donne une véritable existence à un style, à un Jazz original, libéré de cet ostracisme développé trop souvent chez nous par de soi-disant spécialistes, qui fait peur a beaucoup trop de gens, les privant du bonheur de goûter à la spontanéité de cette magnifique musique qu’est le jazz.

Allez, quelques pistes,

Bengt Hallberg ,( https://www.youtube.com/watch?v=0JsVEqD9OKA )

Atomic jazz band, (https://www.youtube.com/watch?v=4l5sWtcl8HE)

Lars Danielson ,( https://www.youtube.com/watch?v=t4ic9Re5v3o )

Hanna Paulsberg Concept,( https://www.youtube.com/watch?v=kIA9KT4kLQY)

Tord Gustavsen Quartet (https://www.youtube.com/watch?v=_3A6ziUPbdk

Rigmor Gustfasson (https://www.youtube.com/watch?v=VHMPQYfPNXc)

Tout ceci au hasard, sans choix ou parti pris d’aucune sorte n’est-ce pas ?

Cherchez.. Sur le net, dans les médiathèques, ailleurs…… il y a chez ces gens venus du froid une chaleur musicale étonnante, riche, novatrice qui va vous étonner.

God lytting !*

*Bonne écoute, en Norvégien

Ecrit par Jean Bellissime

JAZZ&ROCK Les Allman Brothers Band

Début des années 60 aux États Unis en Géorgie, Duane (chant et guitare) et Gregg (chant, orgue hammond, piano) jouent dans divers groupes dont Allman Joys et The Hour Glass. Duane est guitariste de studio pour Wilson Pickett, King Curtis, Aretha Franklin ou Otis Rush… Les frangins en 1969 forment en Floride les Allman Brothers Band avec Dicky Betts (guitare), Berry Oackley (basse), Butch Trucks et Jai JohanyJohanson dit Jaimoe, la particularité du groupe est d’avoir deux batteurs, un blanc et un noir, chose rare à l’époque, surtout dans le sud. Rapidement les ABB deviennent un groupe fondamental pour le blues, grâce à la voix de Gregg, grave et puissante plus son jeu de clavier, et avec la guitare lumineuse de Duane. Leur musique est aussi imprégnée de gospel, de soul et jazz… Ils s’affichent à des festivals avec BB King, Buddy Guy, ou à l’Atlanta Pop Festival en 70… En parallèle, Duane participe en 1970 au prodigieux groupe Derek and The Dominos d’ Eric Clapton, dontl sera issu le fameux titre « Layla ». Mais en deux années, les Allman Brothers Band effectuent plus de 500 concerts, du coup ils gravent un remarquable double album en public en 1971 « At Fillmore East » Hélas, Duane meurt d’un accident de moto (nov. 71), et puis c’est le bassiste Oackley qui subit le même sort un an après. À écouter un autre témoignage en public « Eat a Peach » qui sort en 1972. Les titres originaux sur scène sont prolongés dans des improvisations folles comme « In memory of Elisabeth Reed, Whippin’ Post, Dreams, Mountain Jam … ». L’arrivée du guitariste Dicky Betts et celle de Chuck Leavell au piano sont un nouvel élan à la formation initiale. En 1973 on remarquera l’album studio « Brothers ans Sisters » dont le bel instrumental « Jessica », une petite perle… De la séparation du groupe en1975 à une reformation en 1978, et une nouvelle séparation en 1982, Gregg de son côté formera The Gregg Allman Band… Mais c’est pour un retour exceptionnel en 1989 que les ABB renaissent avec la présence de Warren Haynes, chanteur guitariste des Gov’t Mule et Allen Woody le bassiste. Un must… Gregg écrira sa biographie en 2012 : « My Cross to Bear », on y trouve ce passage touchant : « … La musique est le sang de ma vie… J’adore jouer de la musique pour des gens qui l’apprécient. Quand mon heure viendra, je rejoindrai mon tombeau, et mon frangin m’accueillera par ces mots : Beau boulot petit frère, t’as vraiment assuré ! ». Et c’est vrai qu’ils ont assuré comme également les supers musiciens des Allman Brothers Band sur ces longues années. Et on réécoute avec un grand plaisir ce groupe magique!

http://allmanbrothersband.com

Ecrit par Jack Lalli

#INTERVIEW Youn Sun Nah

La chanteuse coréenne est l’artiste qui a autant de contradicteurs que d’admirateurs, car, en général les chanteuses de jazz ont le plus souvent une voix grave et Youn Sun Nah est plutôt dans les aigus, des aigus les plus extrêmes.

Les organisateurs de festivals l’invitent, car c’est quand même une grande voix qui ne laisse pas indifférent. Elle était cette année au Nice Jazz Festival (1)

La voix de porcelaine, comme certains critiques la définissent, est amoureuse de la France même si depuis 2 ans, elle vit en Corée et enregistre à New York. Amoureuse d’un pays qui lui a fait découvrir le jazz, si bien qu’en 2005, elle remporte son premier prix à Antibes Révélation Jazz. La suite va très vite, la petite Coréenne est devenue une star internationale qui n’oublie pas de chanter en français et travailler avec le nouveau petit génie de l’accordéon Vincent Peirani avec qui, elle a composé Empty Dream, sans oublier qu’elle laisse pantois ceux qui l’ont écouté chanter « Avec le temps » de Léo Ferré. C’est indéniable la force de Youn Sun Nah c’est de passer d’un extrême romantisme à une sorte d’hystérie où, elle seule peut le faire dans des aigus à se mettre des boules Quies dans les oreilles.

Youn Sun Nah: j’ai vraiment essayé de chanter plus bas au début, à tel point que j’ai failli abandonner le chant…en tous cas, je ne pourrais jamais chanter comme Ella Fitzgerald ou Billie Holiday, mais vous verrez dans quelques années j’aurai vieilli, je vous surprendrai peut être…mais pour le moment, je chante beaucoup en Corée ou dans les pays asiatiques, et là, par contre, on veut m ‘entendre dans ces tons aigus.

JP Lamouroux : Quel est l’origine de votre nom ?

Youn Sun Nah: En fait, Youn, c’est  Jade et Soun ça vient d’une histoire légendaire d’un roi qui en Corée n’a pas de nom…Il gouvernait bien, mais il voulait savoir s’il pouvait donner un bon ou un mauvais conseil. S’il était mauvais, il mettait une Jade qui était attachée à sa couronne…Youn, c’est le jade, Sun, c’est l’histoire de tout çà et Nah est mon nom de famille

JPL : Comment composez-vous et en quelle circonstance ?

Youn Sun Nah: Oh, vous savez, je suis plus une chanteuse qu’une compositrice, quand c’est le cas, j’ai besoin de temps, de beaucoup de temps. La même chose quand j’enregistre, il me faut un mois ou deux.

JP L: Votre amour pour la France vous amène à lire les grands auteurs, qu’en est-il?

Youn Sun Nah : Quand j’étais à l’Université en Corée, je lisais Balzac, bien sûr en coréen, mais depuis je lis en français vos grands auteurs, mais j’aime surtout les textes de vos célèbres chanteurs comme Brel, Ferré, Aznavour, parfois j’ai envie de pleurer quand j’écoute certains morceaux.

. Après ses CD précédants Voyage et Lento, 4 ans après, elle nous propose She Moves In en hommage à la musique nord-américaine, d’ailleurs ce titre était celui d’un morceau d’un enregistrement en 1990 de Paul Simon. Pour son dernier CD, la rythmique est magique avec Dan Rieser à la batterie, Brad Jones à la basse et, il faut souligner que sur un titre dont l’extraordinaire Drifting ( une balade de Jiimi  Hendrix ) c’est le guitariste Marc Ribot que l’on peut découvrir. Bref, hurlante ou chuchotante, Youn Sun Nah devrait continuer à nous surprendre… même si ce n’est pas forcement du jazz diront les puristes.

Jamie Saft (piano, orgue Hamond)

Brad Jones (double basse)

Clifton Hyde (guitare)

Dan Rieser (batterie

www.younsunnah.com

Ecrit par Jean-Pierre Lamouroux

#PORTRAIT Serenade to Roland

 Je devais avoir quatorze ou quinze ans lorsque Rahsaan Roland Kirk surgit dans ma vie de jeune flûtiste avec sa « Serenade to a Cuckoo ». J’avoue que j’ai mis des années à entrevoir l’héritage que ce musicien considérable laisserait. Kirk est difficile à comprendre. Il est jazzman, il joue des saxophones et de la flûte traversière comme personne… d’ailleurs, personne n’a vraiment joué comme lui ensuite. Mais que nous a donc laissé Rahsaan ?

Une empreinte de géant. Celle d’un musicien de la démesure, harnaché sur scène de deux, trois ou quatre saxophones, pourvu de flûtes accrochées à sa veste, de sifflets variés, appeaux, flûtes nasales, trumpophone1, stritch2, saxello3, cor anglais, la tête coiffée d’un bonnet gigantesque, sa cécité cachée derrière de massives lunettes noires. Celle d’un musicien météorique, actif durant seize ans, pugnace au point de jouer encore alors qu’une attaque l’avait laissé hémiplégique, en bricolant ses instruments pour pouvoir les utiliser d’une seule main. Roland Kirk, c’est l’art de jouer simultanément de plusieurs instruments. Roland Kirk, c’est l’audace de passer d’une mélodie mainstream à un solo déconstruit, c’est l’énergie d’assommer son auditoire à coups de cris fulgurants et de broder un gimmick en chantonnant dans sa flûte.

D’aucuns le présenteront comme un black master of black classical music et c’est en effet un monument qu’il s’agit de redécouvrir ici. Non un monument qu’on ne saurait gravir, mais un de ceux qui bousculent en restant terriblement humains. Issu de la génération hard-bop, Roland Kirk déploie un répertoire des prémisses du ragtime au free jazz le plus engagé. Il absorbe aussi le rock et la musique contemporaine. Tout passe par la moulinette sonore de Roland Kirk. Pour autant, jamais l’originalité n’éteint la voix de ses inspirateurs. Lorsqu’il réinterprète le « Blues for Alice » de Charlie Parker, c’est comme si l’auteur avait pris quelque substance stimulante sans jamais perdre de sa lucidité. Et puis Kirk est un véritable chercheur. Il repousse sans cesse ses limites physiques grâce à des techniques nouvelles dans le monde du jazz. Outre le jeu multiple, il développe une respiration circulaire qu’il baptise respiration sphérique comme les musiciens australiens et leur didgeridoo. De là, il tire de longs phrasés, étire des sons jusqu’à les rendre… inhumains si l’on peut dire. Il intègre au jeu de flûte traversière des techniques sonores issues de la flûte peule.

Son jeu a d’ailleurs inspiré la plupart des flûtistes des années soixante à aujourd’hui, mais aussi nombre de saxophonistes. Sans lui, Ian Anderson aurait-il été le sautillant flûtiste de Jethro Tull ? Dana Colley, saxophoniste du groupe Morphine, aurait-il joué simultanément du ténor et du baryton ? Il suffit d’écouter les soli géniaux de Sandro Cerino pour saisir que Kirk a ouvert une voie. Greg Pattillo ne maîtrise-t-il pas son flute beatboxing grâce à Kirk ? Frank Zappa, outre une performance avec lui, cite souvent Kirk, notamment dans le livret de Freak Out. Kirk, c’est le trait d’union entre jazz et pop, derviche titanesque déployant Ellington et Coltrane sur des rythmes afros, clamant des slogans politiques, ou flirtant avec la transe. Enfin, je ne me lasse pas de dire que, si le nom de Roland Kirk est ignoré du grand public, tout le monde ou presque l’a écouté dans « Soul Bossa Nova ».

Discographie kirkienne :

We Free Kings, Mercury, 1961, avec Richard Wyands, Art Davis,Charlie Persip, Hank Jones et Wendell Marshall

Kirk in Copenhagen, Mercury, 1963, avec Tete Montoliu, Niels-Henning Ørsted Pedersen, J. C. Moses, Don Moore et Sonny Boy Williamson

I Talk With The Spirits, Limelight, 1964, avec Bobby Moses, Horace Parlan, Michael Fleming, Walter Perkins et Crystal Joy Albert

Volunteered Slavery, Atlantic, 1969, avec Ron Burton, Jimmy Hopps, Dick Griffith, Charles McGhee, Vernon Martin, Charles Crosby, Sonny Brown Joe Habad Texidor, The Roland Kirk Spirit Choir

Charles Mingus, Mingus at Carnegie Hall, Atlantic, 1974

Quincy Jones, Big Band Bossa Nova, Mercury, 1962

Aujourd’hui :

Fred Couderc, Kirkophonie, Cristal Records, 2006

À lire :

Guy Cosson, Rahsaan Roland Kirk, Éditions du Layeur, 2006

1 Trompette modifiée par R. R. K.

2 Sorte de saxophone, ressemblant à un grand soprano, en mi, de la tessiture de l’alto et développé par la marque Buescher.

3 Saxophone semblable à un soprano avec un pavillon et un bocal courbés, rebaptisé manzello par Kirk.

Ecrit par Emmanuel Desestre

#JAZZ&HISTOIRE Soul of a Nation

Nous sommes en mai 1963 lorsque James Baldwin rencontre, en comité restreint, Robert Kennedy qui était encore procureur général (son frère sera assassiné en novembre). L’écrivain résume l’entretien de manière cinglante : « je me rappelle lorsque l’ancien procureur général, Mr Robert Kennedy, a dit qu’il était concevable que, dans 40 ans, en Amérique, nous puissions avoir un Président noir. Ça ressemblait à une déclaration très émancipatrice pour les blancs. Mais ils n’étaient pas à Harlem quand ils ont entendu cette déclaration. Ils n’ont pas entendu les rires et l’amertume et le mépris avec lesquels cette déclaration a été accueillie. Du point de vue de l’homme d’Harlem chez son barbier, Bobby Kennedy vient d’apparaitre hier et il est déjà sur le point d’être Président. Nous étions là depuis 400 ans et il nous dit que, peut-être dans 40 ans, si vous êtes bon, nous vous laisserons peut-être devenir Président ».

C’est la première image qui vient à l’esprit lorsque l’on visite l’exposition « Soul of a nation Art in the edge of Black power » au Tate Modern à Londres (jusqu’au 22 octobre 2017). Nous entrons de plain-pied dans les années 70, une période de bouillonnement artistique intense pour permettre l’expression d’une fierté retrouvée. L’affiche de l’exposition est symbolique avec ce tableau de 1969 de Barkley L. Hendricks où il se dessine nu avec un tee-shirt de Superman et intitulé : « Icon for my man Superman (Superman never saved any black people Bobby Seale) ». La partie entre parenthèses est une citation de Bobby Seale, célèbre activiste et co-fondateur du parti des Black Panthers lors de son procès la même année.

Outre l’intérêt artistique passionnant (peinture, sculpture, dessin …), nécessaire pour s’imprégner de cette période, les commissaires de l’exposition ont eu l’excellente idée de compléter cette manifestation par la sortie d’un double album (clin d’œil aux amis du vinyle) reprenant le visuel de l’affiche et intitulé « Soul of a nation Afro-centric visions in the age of Black power Underground jazz, street funk & the roots of rap 1968-79 » (Soul Jazz Records). L’assassinat de Martin Luther King en avril 1968 vient définitivement sonner le glas d’une vision idéaliste d’un vivre ensemble, certes nécessaire à cette époque pour faire avancer les droits des noirs américains. L’Amérique entre de plain-pied dans une période de contestation et de revendication d’une identité noire assumée : « Say it loud ! I’m black and I’m proud ».

Il était impensable que la musique soit imperméable à cette lame de fond. Le principal sentiment qui transpire ce parcours musical est l’appropriation de racines africaines trop longtemps occultées. On sent également un mouvement de liberté et d’affranchissement des règles imposées par la société … et l’industrie du disque (autoproduction, morceaux non calibrés pour les radios).

Les deux têtes d’affiches sont Roy Ayers en version Ubiquity avec « Red, black and green » (les couleurs de la révolte) et Gil Scott-Heron et son « The revolution will not be televised » (personnellement j’aurai plutôt opté pour « Home is where the hatred is » ou « Lady Day and John Coltrane » extraits du même album).

Les producteurs n’ont pas hésité à aller plus loin et à mettre en valeur de véritables pépites. Joe Henderson et son saxophone s’invitent avec un magnifique « Black narcissus » extrait de l’album « Power to the people » où il est accompagné de Ron Carter, Herbie Hancock, Jack de Johnette et Mike Lawrence. Doug Carn exprime sa foi musulmane en citant des sourates du Coran pendant 5 min de jazz funk très dansant (« Suratal Ihklas »). Je citerai également Carlos Garnett, autre saxophoniste talentueux qui a exercé auprès de Miles Davis ou d’Art Blakey’s Jazz Messengers, et qui propose un « Mother of the future » enflammé, apparu sur l’album « Black love » (1974).

Bien évidemment, d’autres artistes talentueux partagent l’affiche de ce superbe objet. Parcourir l’intérieur de la pochette est un régal avec un texte d’accompagnement complet et détaillé et de nombreuses photos. L’écoute de cet album doit vous inciter à poursuivre l’exploration de cette période très riche. Un petit Lonnie Liston Smith serait un premier pas engageant.

Ecrit par Cyril Hely